-“Vermeer and the Masters of Genre Painting”
Había grandes expectativas para la exposición “Vermeer and the Masters of Genre Painting” de la Galería Nacional de Arte, y todas ellas se cumplieron. Más de dos décadas después de que la galería atrajera multitudes de éxitos de taquilla con su espectáculo Vermeer en 1995, los curadores volvieron al tema, con un giro importante. En lugar de reunir a tantos Vermeers como sea posible, reunieron 10 obras clave, y luego las colocaron en el contexto más amplio de otros pintores que trabajaban durante un período crítico de un cuarto de siglo que comenzó hacia 1650. Visto de forma paralela con trabajos similares por Gerard ter Borch, Gerrit Dou, Pieter de Hooch, Gabriel Metsu y Frans van Mieris, entre otros, las pinturas de género de Vermeer son nuevamente intrigantes. Él no era un inventor o creador de nuevas formas; más bien, infundió el tema existente con una intensidad peculiar y muy personal. El espectáculo ha demostrado ser popular entre el público, tal vez no tan abarrotado como el show de Vermeer de los años de Clinton, pero no siempre es fácil entrar sin esperar en la cola. Pero la espera y las recompensas, incluido el descubrimiento de otros pintores no menos individuales y atrevidos que Vermeer, valen la pena.
– “Frank Lloyd Wright: Unpacking the Archive”
El trabajo de Frank Lloyd Wright, como los escritos de nuestros Padres Fundadores, necesita ser redescubierto y reprocesado regularmente. No solo fue extraordinariamente longevo y productivo, encarnó tensiones fundamentales que permanecen con nosotros no solo en el entorno construido, sino en nuestro carácter estadounidense. La gran y completa exposición del Museo de Arte Moderno, “Frank Lloyd Wright: Unpacking the Archive”, fue una inmersión profunda en los archivos de las dos estudio-residencia de Wright, los campus “Taliesin” en Wisconsin y Arizona. Pero también era una oportunidad para que una nueva generación redescubriera a Wright, y las tensiones incrustadas en su trabajo. Era un maestro de las formas urbanas que imaginaba a Estados Unidos alegre y como un vasto y exótico suburbio que nos mantenía cerca de la comunidad, pero nunca lejos de nuestra fantasía colectiva de trabajo rural duro y abrupta autosuficiencia. Era un artesano meticuloso y un perfeccionista implacable, y también era un maestro de autopromoción y de los medios. La exposición del MoMA parecía interminable en el buen sentido, en cada esquina una nueva delicia, a veces una visión descaradamente inventiva, a veces una joya de la espléndida obra de arte de Wright.
– Ellsworth Kelly’s “Blue Black”
El Centro Pulitzer para las Artes invitó al artista Glenn Ligon a ser curador de una exposición en la institución con sede en St. Louis comenzando con una sola obra: “Blue Black” de Ellsworth Kelly, una pieza encargada que cuelga en un gran espacio vertical en el área minimalista del museo diseñada por Tadao Ando. Ligon logró mantener un control estricto sobre el proyecto, también llamado “Blue Black”, pero produjo una cantidad de obras que fue tan amplia, ecléctica y atractiva como el conjunto del mundo anárquico del arte contemporáneo. St. Louis ha sido el epicentro del Movimiento Black Lives, y Ligon es un artista que ha enfrentado problemas de raza en su propio trabajo. Así que había conexiones entre las más de 50 obras a la vista que tocaban la raza y el blues como una forma musical. Pero el espectáculo también examinó los colores en sí, en obras que exploraron la paleta o derivaciones de la paleta que se ve en la engañosamente simple escultura de la pared de Kelly. Un curador profesional podría no haber tomado las libertades asociativas que Ligon tomó. Pero, al mismo tiempo, un curador profesional podría no haber descubierto las conexiones que Ligon ofrecía. Fue un espectáculo arriesgado, lleno de trabajo extraordinario, yuxtapuesto tanto con capricho como con pasión, y deliciosamente libre de la verborrea artística que muchos curadores contemporáneos utilizan para dar la ilusión de gravedad.
– “Robert Rauschenberg: Among Friends”
El Museo de Arte Moderno de Nueva York se ha vuelto demasiado grande y demasiado popular para cumplir consistentemente con su antigua misión de dar rigor al estudio del arte contemporáneo y moderno. Persigue las modas, las tendencias y siempre al público, y una tarde en un día atareado puede ser tan agotador y desalentador como ir de compras el Black Friday. Pero cuando reúne todos sus recursos y toma un tema serio, no hay sustituto para este museo. Eso estuvo en exhibición de este año “Robert Rauschenberg: Among Friends”, que no fue solo una retrospectiva sobre el trabajo del artista, que murió en 2008, sino una gran historia del arte en Nueva York durante gran parte del siglo pasado. Rauschenberg no solo hizo un trabajo que sigue siendo enormemente influyente, sino que estableció hábitos de trabajo (colaboración, desempeño y deambular de forma promiscua a través de los medios) que siguen siendo los hábitos que definen a la mayoría de los artistas contemporáneos de la actualidad. La exposición del MoMA fue grande e ingobernable, como la obra del artista, y no necesariamente elevó su reputación por encima del estado ya exaltado que disfruta Rauschenberg. Pero le dio a la audiencia una comprensión completa e íntegra de su trabajo, como es probable que vean en una generación, y es probable que haya iniciado una reevaluación de su legado que continuará a través de la próxima gran retrospectiva de Rauschenberg, cuando eso suceda.
– Mark Bradford’s “Pickett’s Charge”
El Museo Hirshhorn y el Jardín de las Esculturas se esfuerzan por sacar lo mejor de su extraña arquitectura, el edificio cilíndrico diseñado por Gordon Bunshaft en el centro comercial. En los últimos años, el museo ha trabajado con artistas vivos para hacer obras directamente en las paredes de su corredor interno, un espacio bañado por la luz que da al patio circular del museo. Es agradable para la escultura, pero un desafío para las obras que cuelgan en la pared. Pero los artistas se han puesto a la altura de las circunstancias, utilizando la geometría del museo para explorar ideas visuales de continuidad, conexión y evolución. Ahora muestran “Pickett’s Charge” de Mark Bradford, un trabajo basado en una pintura panorámica popular del siglo XIX alojada en un teatro de ciclorama hecho a medida en Gettysburg, Pensilvania. Bradford utiliza sus habilidades virtuosas de estratificación y corte y abrasión para hacer juegos con la legibilidad de la pintura original, que a veces emerge como puntos pixelados, y a veces se ve con relativa y desconcertante claridad. La Guerra Civil, la raza y el legado de la esclavitud se filtran por las fisuras y las lágrimas de la pieza de Bradford. Pero lo sorprendente es la monumentalidad del trabajo. Este proyecto de puesta en servicio ahora ha comenzado a producir un trabajo que existe no a pesar del lugar extraño que lo inspira, sino con ese espacio de alguna manera incrustado en su escala y significado. Si continúa, tal vez la idea de un trabajo de “Hirshhorn” sugerirá un trabajo artístico íntimamente conectado a uno de los espacios más desafiantes de D.C.
(Traducción el Tiempo Latino/El Planeta Media)
